Анастасия Колесникова
18-ый конгресс АССИТЕЖ и Фестиваль имени Януша Корчака в Варшаве
В мае этого года в Варшаве состоялся 18-й конгресс АССИТЕЖ, Всемирной ассоциации детских театров. По традиции проходящий раз в три года конгресс принимает у себя один из крупных международных фестивалей театра для детей. В 2014 году честь стать хозяином этого события выпала фестивалю имени Януша Корчака, который вот уже десять лет проходит в польской столице.
Критериями отбора на этот фестиваль является не только художественное качество спектакля, но и географическое и стилистическое разнообразие, а также мобильность спектаклей: желательно, чтобы оформление умещалось в багаж и летело с артистами в одном самолете. Помимо этого, к показам спектаклей добавляется программа конгресса — выборы исполнительного комитета и президента АССИТЕЖ, доклады, отчёты, конференции, симпозиумы, мастер-классы и проч.
Программа такая насыщенная и интересная, что в среднем гостю конгресса посмотреть удаётся только около трети от общей фестивальной программы. Но даже этого достаточно, чтобы понять — во всём мире сегодня существует бесконечное множество как традиционных, так и современных форм детского театра, и в большинстве своём они сильно отличаются от того типа театра, который видят сегодня дети в России.
В детский театр пришел постдраматический синдром
Первое, что бросается в глаза именно российскому зрителю, — это отсутствие выстроенной истории. Здесь не встретишь эпического масштаба приключений какого-нибудь Буратино, зато разнообразие театральных приемов и выразительных средств, использованных в спектакле, не устаёт удивлять даже взрослого зрителя. Такой тип театра рассчитывает не только на внимание и сопереживание ребенка, но и на его активное сотворчество, фантазию. Отказываясь от выстраивания строгой логики повествования и не стараясь удивить детей перипетиями сюжета, авторы спектаклей делают акцент на работе с появляющимися у ребенка «здесь и сейчас» впечатлениями и эмоциями.
Так, в спектакле венгерского кукольного театра Цирока (Ciróka) «История девочки в голубом» основой для постановки становятся картины Пикассо. Череду волшебных превращений живописных полотен в театральные сценки объединяет образ Девочки на шаре, но путешествие её по миру художника не подчинено закону повествовательной логики. Основной принцип, использованный режиссером Ритой Бартал Кисс для анимации полотен, — внимание к деталям. Микро-истории из жизни Арлекина или Девочки на шаре вырастают из загадочного взгляда на портрете, необычного жеста, яркого пятна на полотне. Артисты фантазируют, что делал персонаж до попадания на холст и что продолжил бы делать, если бы живопись, как кино, могла менять картинку во времени. Художник-постановщик Мария Хорват играет с объемом и плоскостями, переводя фокусы с перспективой и визуальные приемы кубизма из двумерного в трёхмерное пространство. Для каждой картины она придумывает самых разнообразных кукол - от марионеток до механических игрушек, у которых при перемещении колесиков по полу двигаются головы, крылья и руки, а также постоянно трансформирует костюмы артистов, прямо на глазах у зрителя. Событием, полным драматизма, становится в спектакле остановка запущенной юлы или внезапное движение взгляда на казавшейся "неживой" картине. Примечательно и то, что в спектакле ни разу не произносят ни имени Пикассо, ни названий картин, оставляя ребёнка наедине с образами.
В спектаклях, где литературная основа не окончательно забыта, как в «Златовласке» режиссера Джозефа Крофта в чешском театре Драк (Drak), фабула и персонажи все равно уступают пальму первенства театральному приёму. В случае с чешской Златовлаской, сказку об очередном Иване-дураке с добрым сердцем, посланном за чужой невестой, нам рассказывает зачитавшийся на рабочем месте и спаливший готовящееся блюдо поваренок. Его коллеги по кухне, также захваченные сказкой, перевоплощаются у нас на глазах в её персонажей. Они помогают проиллюстрировать происходящее в истории, находя новое использование поварской утвари и пищи. В "рецепте" их спектакля используются пляшущие ощипанные цыплята, открывающийся торт с секретом, коптящаяся на крюке рыба. Кухонный кран становится здесь источником живой и мертвой воды, а рукав мешка для крема превращается в страшное орудие злодея. Самый незначительный элемент всей этой гастрономической саги — сама Златовласка, это просто кукла, не пригодившаяся на вершине свадебного торта, до нее нет дела ни добывавшему ее всю дорогу главному герою, ни королю, отправившему героя в поход за невестой. Мы больше удивляемся той изобретательности, с которой кухня с помощью одной занавески, света и десятка ложек и половников становится лесом, чем тому, что герой выбирается оттуда живым. Ещё одним персонажем сказки становятся запахи готовящихся блюд - на выстроенной художником Мареком Закостелески кухне действительно можно приготовить обед; вместо создания театральной бутафории он даёт актерам возможность превратить в спектакль саму реальность.
В польской программе фестиваля ещё один способ обращения с литературной основой предложила Ева Пиотровска, молодой режиссер и художественный руководитель одного из старейших кукольных театров Польши — Театра Бай (Baj). Ее спектакль "Мир Гарманна" основан на произведениях художника и детского писателя из Норвегии Стиана Холе. Перенося на сцену события из жизни мальчика по имени Гарманн, режиссер не пытается инсценировать оригинальную книгу, выстраивая на её основе единое драматическое действие, но показывает вслед за Стианом Холе лишь набор отдельных сценок, для каждой из которых ищет свою стилистику. Отправной точкой становится превращение профессиональных кукольников Театра Бай в драматических артистов. Режиссер в каждом эпизоде пытается поддержать артистов новым театральным приемом: так, юмористическая карикатурная процессия трех тетушек сопровождается затейливой видеопроекцией, дающей понять, какими их видит Гарманн в своем воображении. Первое свидание на лесной поляне превращается в сложный ритуал запуска космической ракеты, где в дело пускается забытый в лесу мусор. Или все приемы вдруг забываются и мы следим за традиционной во всех театральных смыслах, драматически выстроенной историей дружбы Гарманна и одинокого старика. Сложно сказать, вызван ли выбор такой структуры желанием соответствовать оригиналу или является симптомом «усталости» европейского театра от классической драматургической модели — пришедшие в театр дети все равно успевают крепко подружиться с Гарманном, которого, к слову, без лишнего притворства и сюсюкания играет взрослый дядя. Артист просто сообщает в первые пять минут спектакля, что его зовут Гарманн и ему 6 лет. Потому что все — и создатели спектакля, и зрители уверены, что театр волен создавать свои правила игры и вовсе не обязан притворяться реальностью.
Метаморфозы куклы
Не только европейские детские театры пошли по пути отказа от главенства сюжета, поэтическую фантасмагорию по иллюстрированной книге «Грозовая ночь» Мишеля Лемье представили на фестивале канадцы из театра Ла Карусель. Авторы спектакля - известный франко-канадский драматург Сюзан Лебо и режиссер Жервэ Гидро. «Грозовая ночь» - это поток сознания перепуганной штормом маленькой девочки, один за другим она задаёт себе вопросы о своей семье и своем будущем, а также перебирает таящиеся в ночи ужасы. Мишель Лемье сопровождает каждый заданный вопрос черно-белой иллюстрацией мыслей девочки. И хотя текст остается дословно верен оригиналу, вовсе не в нем кроется ключ к пониманию спектакля. Основа спектакля - пиршество света и теней, оживших монстров и призраков из ночных кошмаров (декорации - Стефан Лонгпре, костюмы и реквизит - Линда Брунелль, свет - Доминик Ганон). Сложные куклы в человеческий рост и спрятанные в темноте кукловоды, живые проекции и театр теней, сделанный по технологии рисунков песком по стеклу, неожиданные световые переходы и контрасты бросают зал то в дрожь, то в смех. Вопросы, которые задаёт девочка, претендуют на философскую глубину, но безнадежно тонут за экспрессивной образностью спектакля.
Ещё одно явление, примеров которого не встретишь у нас, - современный танец для детей. В программу фестиваля в Варшаве попали танцевальные спектакли как для малышей от трех лет, так и для подростков. Итальянский театр «Compagnia TPO», номинированный на международный приз АССИТЕЖ за выдающееся художественное мастерство, привез на фестиваль «Бабочку». И это название полностью описывает содержание спектакля, это история рождения бабочки из куколки, хроника ее переходов из одного состояния в другое. Раскрыть особенности каждого этапа жизни бабочки двум танцовщицам помогает сложная видеопроекция, способная взаимодействовать с движениями человека и отвечать на них (режиссеры - Франческо Ганди, Давид Вентурини, цифровой дизайн - Эльза Мерси). Перемещаясь под плавную и немного мистическую музыку (звук от Спартако Кортеси) по переливающемуся абстрактной видеопроекцией полу, танцовщицы оставляют волшебные следы, от которых в стороны расходятся цветовые круги, раскрываются сказочные бутоны и дрожат, как от ветра, паутинки. Несколько раз по ходу действия детей приглашают попробовать самостоятельно исследовать волшебный мир, в котором предстоит жить будущей бабочке, поиграть с проекцией и придумать в ходе увлекательной игры свой собственный маленький танец.
Короткую, но очень экспрессивную постановку с простым названием «Король» привезли на фестиваль для ребят постарше танцоры из голландского театра Маас (Maas). На пустую сцену выходят два человека (артисты Ана Тейхидо и Тим Велраедс) и одна причудливая большая кукла - тот самый Король, с искаженной гримасой жадности лицом и непропорциональным огромной голове сморщенным телом. Перемещаясь по сцене, танцоры простыми движениями рук виртуозно оживляют неуклюжую куклу, сражаются и спорят с ненасытным Королем, который яростно пытается отобрать у них горсть винограда или хочет покарать за непослушание. Главным содержанием спектакля хореографа Дуба Пайва становится высочайшее техническое мастерство владения телом и куклой.
Скелет в шкафчике
Нельзя себе представить в России, но уже не по стилистическим, а по политическим причинам и спектакль из специального проекта фестиваля «У меня в шкафу кукла», театра из Буэнос-Айреса по пьесе Марии Инес Фальконе, известного латиноамериканского деятеля детского театра. По форме это классический моноспектакль по вполне традиционно написанной пьесе, в которой главный герой пересматривает содержимое своего шкафа из детской и вспоминает свою семью и школьные годы. Только вот содержимое шкафа не типично для мальчишки, играющего в баскетбол и читающего комиксы. Потому что самая дорогая находка из прошлого мальчика - украденная у сестры старая кукла Барби. Спектакль поднимает вопросы о роли стереотипов в нашей жизни, о сложности быть не похожим на других, ничего не скрывая, но и ничего не пропагандируя, он учит толерантности и вниманию к окружающим нас людям, уважению к чужому внутреннему миру. Блестящая актерская работа Хулиана Сьерра, органично перевоплощающегося то в строгого отца, то в перепуганную мать, то в ябеду-сестру, то в школьного хулигана, но при этом ни на минуту не теряющего интонации смотрящего на них с высоты возраста протагониста, делает спектакль до коликов смешным и вместе с тем очень трогательным и лиричным.
Российская часть программы
В программе фестиваля было два российских спектакля, что весьма почётно для форума такого масштаба. Первая постановка, редкое ещё у нас явление - независимый совместный театральный проект творческой группы Melting Point (Санкт-Петербург) и Figurteatret // NVT (Норвегия) по мотивам «Чука и Гека» Аркадия Гайдара. Авторы довольно емко описывают свою постановку как «спектакль в жанре клоунады и лирической эксцентрики, с элементами кукольного театра и видеоинсталляций». Без диалогов и лишних слов (артистам удаётся передать основное содержание истории постоянным повторением единственного интернационального слова «папа»), молодой режиссер Мария Критская виртуозно играет со стереотипами о заснеженной России - ушанками, валенками, снежками и сугробами по пояс, даже игрушечному Кремлю и мавзолею находится место. Здесь есть все, что нужно для удачного фестивального спектакля - национальный колорит, ирония и добрый юмор, интерактивная игра со зрителями, трогательная дружба маленького семейства в исполнении молодых питерских артистов и яркие режиссерские и сценографические находки (в старый советский комод здесь умещают и поезд, и печь, и телефонную будку). Сбалансированная смесь традиции и стереотипов, данная в современной ироничной обработке, порадовала не только детей, но и взрослого зрителя.
Второй российский спектакль в программе конгресса - сказка «Конёк-Горбунок» в постановке Красноярского драматического театра имени А.С. Пушкина, уже объездил все крупные российские фестивали. Красноярский театр переносит хорошо знакомую историю на несвойственный ей формат камерной сцены. Режиссеры Олег Рыбкин и Лариса Лейченко вместе с композитором Екатериной Берестовой и художником Еленой Турчаниновой с первых минут погружают зрителя в атмосферу неожиданно уютного, теплого, радующего глаз сотнями красок балагана. Как и в «Чуке и Геке», немаловажную роль в выборе спектакля для конгресса, должно быть, сыграл национальный колорит — атмосфера русского фольклора, народных гуляний и уличного театра, перенесённая с площади в небольшой театральный зал и от того ставшая более лирической. Хоть и необычный по форме, но традиционный по духу спектакль, красноярцы не побоялись добавить нотки современности - специально написанная к спектаклю музыка от народных мелодий органично переходит в блюз и эстрадную песню и даже регги и вся исполняется только в живую, нарядными музыкантами, разместившимися прямо на сцене.
Стилистическое разнообразие мирового театра для детей, представленное на фестивале, показывает, что картина детских театральных впечатлений может и должна быть многогранной. В задачи детского театра сегодня должны входить и подготовка малышей к восприятию современных форм театра для взрослых в будущем, и уроки творческого переосмысления реальности в целом. Чтобы ребёнок не потерял навсегда доверие к зданию с колоннами и пыльным занавесом, куда его зачем-то таскали с классом на череду одинаковых спектаклей, и куда также из-под палки погонят однажды и его детей. Отсутствие выбора и нежелание многих российских детских и кукольных театров меняться и экспериментировать (безусловно, есть счастливые исключения, но в целом картина всё ещё очень и очень однообразна) обрекает в будущем театры драматические на необходимость ставить только искрометные комедии и костюмную классику — зрителя для другого типа театра ещё только предстоит «вырастить».
Анастасия Колесникова - драматург, выпускница курса "Театральная драматургия" под руководством Наталии Скороход в СПбГАТИ (2013), переводчик, работает в литературно-рекламном отделе и пресс-службе Саратовского ТЮЗа им. Ю.П. Киселева. [email protected]
